АБАЖУР

Абажур (французское —  abat-jour, от abat — отражает, ослабляет, и jour — день, свет, буквально — то, что отражает свет) - составная часть осветительных приборов (люстр, бра, торшеров, настольных ламп и т.д.) представляющая собой приспособление для рассеивания света.

Луи Икар. Абажур. 1948 г.

Луи Икар. Абажур. 1948 г.

В Россию слово «абажур» пришло в начале XIX века из французского языка. Впервые зафиксированно в «Словаре Яновского» 1803 года со значением — «Косое окошко, сообщающее свет с верху для освещения таких мест, где не можно сделать обыкновенных окошек. Иногда умножают сей свет в покоях зеркальным стеклом». В Словаре Даля – «Косые проемы для окон, сверху вниз, окно откосом».

Слово абажур также использовалось в значениях — железный кожух голландской печи; козырек, надеваемый на лоб для защиты глаз от действия света («Князь в очках, с абажуром на глазах … сидел у открытого бюро» — Л. Н. Толстой «Война и мир»); дамская шляпа с крупно гофрированными полями («Голые куклы «Нана», в перчатках и туфельках, развратно улыбались из под шляп-абажуров» — О. Д. Форш «Куклы Парижа»).

Женская шляпа «абажур», украшенная блёстками и своеобразной брошью. Около 1910 года.

Женская шляпа «абажур», украшенная блёстками и своеобразной брошью. Около 1910 года.

В русском языке синонимами слова «абажур» являются слова навесец, тенник, затин, щиток, колпак, козырек, окно откосом, светильник, абажурчик, колпак, плафон. Производные: абажурный, абажурчик.

 Иннокентий Анненский.

Под зеленым абажуром.

Короли, и валеты, и тройки!

Вы так ласково тешите ум:

От уверенно-зыбкой постройки

До тоскливо замедленных дум

Вы так ласково тешите ум,

Короли, и валеты, и тройки!

 

В вашей смене, дразнящей сердца,

В вашем быстро мелькающем крапе

Счастье дочери, имя отца,

Слово чести, поставленной на-пе,

В вашем быстро мелькающем крапе,

В вашей смене, дразнящей сердца…

 

Золотые сулили вы дали

За узором двойных королей,

Когда вами невестам гадали

Там, в глуши, за снегами полей,

За узором двойных королей

Золотые сулили вы дали…

 

А теперь, из потемок на свет

Безнадежно ложася рядами,

Равнодушное да или нет

Повторять суждено вам годами,

Безнадежно ложася рядами

Из зеленых потемок на свет.

Абажур предназначен для защиты глаз от непосредственного воздействия источника света и создания требуемого уровня освещенности. Он может отражать свет в определённом направлении, пропускать его полностью или частично, рассеивать или придавать ему окраску.

В абажурах, отражающих свет, защитный угол (угол, образованный линией, соединяющей световой центр с нижней кромкой и горизонталью) должен быть не менее тридцати градусов. Для мощных электрических ламп используют глубокие или замкнутые абажуры.

Любые абажуры поглащают некоторую часть светового потока, поэтому их изготавливают с учётом минимального светопоглащения. Абажуры с глянцевыми, белыми или блестящими поверхностями поглощают световой поток гораздо меньше, чем абажуры с тёмными, цветными или матовыми поверхностями.

Жюль Кроше. Эффект лампы.

Жюль Кроше. Эффект лампы.

Абажуры весьма разнообразны по назначению, конструкции, форме, размерам и материалу, из которого они изготовлены.

Помимо практической цели, они являются элементом художественного оформления самого осветительного прибора и интерьера помещения.

Евгений Рейн.

Н.

(Фрагмент).

Ты читаешь вполголоса,

Абажур светлокож.

Свет, пронзающий волосы,

На сиянье похож.

В этот вечер гадания

Все, что будет, сошлось,

И скрестилось заранее,

И пронзило насквозь.

Чем страшнее история

В старой книге твоей,

Тем яснее крестовая

Тень в проеме дверей.

Прообразом абажура стали применявшиеся в Европе уже в XIV веке «световые ширмы» из фарфора, бумаги, металла, картона, полированного стекла, ткани или бумаги которые устанавливались на основании факела.

С XVII века их стали использовать чтобы приглушить свет от свечей на бронзовых канделябрах.

В 1763 году в Париже  появились первые фонари — масляные лампы с отражателями. И уже в 1785 году в Милане на уличных масляных фонарях были установлены полусферические отражатели. Такой отражатель рассеивал свет вниз, освещая улицы. По сути это и были первые абажуры в том смысле этого слова, который мы сегодня в него вкладываем.

аж2361С изобретением в начале XIX века газовых ламп, абажуры начали использоваться не столько для рассеивания света, сколько для его ослабления. Например, в викторианской Англии получили распространение так называемые «фортепианые лампы» с абажуром. Они обеспечивали освещение, необходимое для чтения нот. Для тех же целей использовались и специальные экраны-абажуры, крепившиеся на лампу или подсвечник.

Подсвечник с экраном (пейзажная роспись по перламутру).

Подсвечник с экраном (пейзажная роспись по перламутру).

Приблизительно в это же время получили распространение и настольные лампы называвшиеся «бульотка». Они представляли собой стержень на подставке, в верхней части которого крепились подсвечники. На стержень надевался металлический абажур, который можно было перемещать по вертикали. Бульотки устанавливались в центр игрового карточного стола-бульот, а абажур устанавливался на такую высоту, чтобы лица игроков находились в тени. Игрокам из среды чиновников и аристократов настолько понравилась эта идея, что они стали устанавливать бульотки на своих рабочих столах. Материалы при этом стали дороже, а отделка искуснее.

Бульотка.

Бульотка.

В XIX веке подлинной законодательницей «абажурной» моды стала Великобритания. Здесь господствовал так называемый «Викторианский стиль» («Victorian style»), сформировавшийся в годы правления королевы Виктории. Викторианский стиль отличался причудливостью и витиеватостью используемых в оформлении узоров, орнаментов и мотивов. А потому «викторианские абажуры» расшивались жемчугом, отделывались бахромой, кружевами и вышивкой.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Викторианский стиль.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Масляная лампа викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

Вышитые абажуры викторианской эпохи.

В России, куда абажуры пришли из Европы, они изменяли свой облик, в зависимости от господствовавших в тот или иной период художественных вкусов и технических возможностей.

Миракль, принадлежавший императору Александру I с экраном (абажуром) из шести цельных перламутровых пластин, гравированных по лицевой стороне растительным декором.

Миракль, принадлежавший императору Александру I с экраном (абажуром) из шести цельных перламутровых пластин, гравированных по лицевой стороне растительным декором.

Подсвечник с экраном. Петербург. 1820 г.

Подсвечник с экраном. Петербург. 1820 г.

Настольная лампа. Императорский стеклянный завод, 1870 г.

Настольная лампа. Императорский стеклянный завод, 1870 г.

Так, например, во второй половине XIX века на Императорском фарфоровом заводе делали торшеры и настольные лампы в виде фарфоровых ваз с бронзовым разветвленным верхом и полихромной росписью.

Лампа. Императорский фарфоровый завод.

Лампа. Императорский фарфоровый завод.

Прикроватная лампа. 1886 г.

Прикроватная лампа. 1886 г.

Б. Пастернак.

Какая горячая кровь у сумерек,

Когда на лампе колпак светло-синий.

Мне весело, ласка, понятье о юморе

Есть, верь, и у висельников на осине;


Какая горячая, если растерянно,

Из дома Коровина на ветер вышед,

Запросишь у стужи высокой материи,

Что кровью горячей сумерек пышет,


Когда абажур светло-синий над лампою,

И ртутью туман с тротуарами налит,

Как резервуар с колпаком светло-синим…

Какая горячая кровь у сумерек!

Все изменилось после изобретения в 1879 году электрической лампочки. Поскольку она была пожаробезопасной, выбор материалов используемых для изготовления абажуров значительно расширился. Постепенно этому элементу светильников стали уделять особое внимание и декораторы. Так абажур перестал быть просто функциональной частью светильника и превратился в декоративный элемент интерьера. Возникает искусство художественного оформления абажура и над их созданием начинают трудиться профессиональные художники.

В длинном ряду профессионалов отдавших дань созданию абажуров первым стоит французский художник Филипп-Жозеф Брокар. Он основал собственную стекольную фабрику, где выпускал изделия созданные по собственным технологиям. Брокар  считается предшественником стиля «модерн».

Иосиф Бродский.

У всего есть предел.

У всего есть предел:

горизонт — у зрачка, у отчаянья - память,

для роста

расширение плеч.

Только звук отделяться способен от тел,

вроде призрака, Томас.

Сиротство
звука, Томас, есть речь!

Оттолкнув абажур,

глядя прямо перед собою,

видишь воздух:

анфас
сонмы тех,

кто губою

наследил в нем

до нас.

 На pyбeжe XIX-XX веков получает распространение искусство «модерна» (от французского moderne — новейший, современный). Пepeocмыcливaя и cтилизуя чepты иcкyccтвa paзныx эпox «модерн» выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe на пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.

Стиль возник почти одновременно во многих европейских странах и потому получил разные названия. Чаще всего употреблялись термины «Модерн» (современный) и «Ар Нуво» (в переводе с французского «L’art nouveau» — буквально «новое искусство»). Во Франции также использовались термины «Метро», «Стиль Гимара» (по имени архитектора Гектора Гимара) и «Fin de siècle» (буквально — «конец века»). В Бельгии его называли также «Стилем Орта» (по имени архитектора Виктора Орта). В США – «Тиффани» (по имени Л. К. Тиффани), в Германии — «Югендштиль» (по названию основанного в 1896 году иллюстрированного журнала «Die Jugend»). В Австрии использовался термин «Стиль Сецессион» («Secessionssti» — по названию группы «Sezession», созданной в 1897 году в Вене). В Англии «Модерн стайл» (Modern style — буквально «современный стиль»), в Италии – «Цветочный стиль» или «Либерти» (от одноименного названия лондонского универмага Артура Либерти), в Испании — «Модернизмо», в Нидерландах — «Nieuwe Kunst», в Швейцарии — «Еловый стиль» («Style sapin»). Использовались также термины «Стиль 1900 года», «Стиль линий», «Стиль волн», «Студио» и даже насмешливые названия – «Вермишель» и «Угорь».

Отличительными особенностями «модерна» были отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий и интерес к новым технологиям.

Для абажуров стиля «модерн» характерна роспись орнаментами, обтекаемость контура, нарушение симметрии, свобода композиционного решения декора, плавные изогнутые линии.  Их отличительной чертой являются элегантность и тонкая проработка линий. Абажуры стиля «модерн» обильно украшались фруктами, цветами, листьями, бабочками… Модные цвета «модерна» — серо-голубые, оливково-зеленые, соломенные, бледно-розовые, сиреневые.

Форма подставок для абажуров соответствовала общей концепции интерьера, поскольку для композиции «модерна» характерно стремление к формированию единого ансамбля, в котором все элементы были бы связаны в единое художественное целое. Вместе с тем они стали приобретать самые разнообразные, порой весьма причудливые формы. Использовались материалы с богатыми декоративными возможностями – натуральный камень, металл, цветное стекло, бисер, ценные породы древесины, натуральная кожа, мрамор, различные инкрустации, вплоть до полудрагоценных камней.

 Чарльз Буковски.

Девушки.

Перевод А. Караковского.

 

я смотрю на

один и тот же

абажур

уже

5 лет.

он собрал

пыль холостяка

и

девушки, входившие сюда –

слишком

заняты,
чтобы почистить его.

но я не против:

я был слишком

занят,

чтоб написать

об этом раньше

что лампочка

светит

паршиво

все

эти

5 лет.

У истоков ключевого понятия «модерна» — концепции эстетического синтеза, стоял английский художник Уильям Моррис. В 1861 году Моррис создал компанию по производству предметов декоративно-прикладного искусства «Моррис, Маршалл, Фолкнер и Ко». Постоянными её сотрудниками были Бёрн-Джонс, Ф. М. Браун, Филипп Уэбб, Россетти. Для работы также привлекались А. Хьюз и С. Соломон.

Абажуры Уильяма Морриса в интерьере.

Абажуры Уильяма Морриса в интерьере.

Уильям Моррис. Настольная лампа с абажуром.

Уильям Моррис. Настольная лампа с абажуром.

Художники-модернисты «Школы Глазго» («Glasgow School of Art»), которых возглавил шотландский архитектор и художник Чарльз Ренни Макинтош, пошли несколько иным путем. Макинтош стал новатором конструктивной линии модерна с характерной для неё прямолинейностью форм и ясным построением. Его мастерство было основано на геометрически прямолинейной конструкции с преобладанием вертикальных линий. Таков, например светильник в китайском стиле – выкрашенный в зеленый цвет медный абажур венчала восьмиярусная «пагода».

Светильник разработанный Макинтошем для чайных комнат в Глазго.

Светильник разработанный Макинтошем для чайных комнат в Глазго.

Абажур для Китайской комнаты.Чайные комнаты на Ингрэм-Стрит, Глазго, 1911 г. Дизайн – Чарльз Ренни Макинтош. Изготовление — Эндрю Хатчесон.

Абажур для Китайской комнаты.Чайные комнаты на Ингрэм-Стрит, Глазго, 1911 г. Дизайн – Чарльз Ренни Макинтош. Изготовление — Эндрю Хатчесон.

Чарльз Рен Макинтош. Лампа с абажуром.

Чарльз Рен Макинтош. Лампа с абажуром.

В 1906 году в Германии один из основоположников современной промышленной архитектуры и дизайна, представитель «Дюссельдорфской художественной школы» («Düsseldorfer Malerschule») Петер Беренс был приглашен на должность художественного директора «Всеобщей электрической компании» («AEG»), специализировавшейся на производстве электрических ламп и электроприборов. Свои работы он строил в основном на повторах нескольких геометрических элементов — шестигранников, кругов, овалов. Истоками такого формообразования были инженерные, утилитарные формы, гармонизированные и приведенные к определенному ритму и пропорциям. «Массовое производство потребительских вещей, отвечающих высоким эстетическим представлениям, стало бы благом не только для людей с тонким художественным вкусом; самым широким слоям народа был бы открыт доступ к понятиям вкуса и приличия» (Петер Беренс).

Абажур Беренса.

Абажур Беренса.

Лампа работы Петера Беренса.

Лампа работы Петера Беренса.

Лампа работы Петера Беренса.

Лампа работы Петера Беренса.

Одним из самых ярких примеров абажуров стиля «модерн» являются абажуры созданные в компании принадлежавшей американскому ювелиру и дизайнеру Луису Комфорту Тиффани. Занявшись в конце XIX века изготовлением витражей, он провёл ряд экспериментов, касающихся совершенствования сборки, а кроме того, под его руководством было изобретено несколько новых видов стёкол.

По легенде, свой первый абажур Тиффани сделал случайно — из обрезков стекла, которые остались у него после работы над витражом.

Абажур Тиффани «Стрекоза».

Абажур Тиффани «Стрекоза».

Абажур Тиффани «Лист Лотоса».

Абажур Тиффани «Лист Лотоса».

Абажуры «Тиффани» изготавливались из опалесцентного стекла, которое получают, добавив в состав сырья замутняющие вещества (олово или жженую кость). В результате в расплавленной массе образуются крохотные капельки фосфатного стекла, «глушащих» (замутняющих) стекло. Эффект состоит в том, что оно не столько пропускает свет, сколько его преломляет. В зависимости от массы непрозрачных веществ можно получить различные степени опалесцентного эффекта.

Собственно, изобретателем опалесцентного стекла является не Тиффани, а американский художник и декоратор Джон Ла Фарж, который уже в 1875 году использовал его при изготовлении витражей, а 1880 году получил соответствующий патент. Через некоторое время и другие художники обратили внимание на новый вид стекла и также стали экспериментировать в этой области (либо просто копировать стекла Ла Фаржа). Тиффани не был исключением. Дважды он работал вместе с Ла Фаржем в его мастерской в Бруклине. Впоследствии Луис Тиффани поставил изготовление опалесцентного стекла и предметов из него на коммерческую основу. При этом он заключил с Ла Фаржем соглашение о том, что абажуры и витражи из стекла с опалесцентным эффектом и само это стекло будут носить имя «Тиффани».

Фирменным знаком Тиффани стало также иризирующее (радужное) стекло, получившее название «Favrille glass» — «Пламенеющее стекло». Этот технический прием заключался в окуривании горячей массы стеклянного изделия парами солей некоторых металлов (хлористого олова, хлористого бария и т. д.), в результате чего поверхность предмета покрывалась тонкой радужной пленкой, напоминающей перламутр. Получаемый при этом цвет зависел от толщины и плотности наносимого слоя, состава смеси, самого технологического процесса и, наконец, особенностей поверхности произведения. Эффект которого добился Тиффани стал возможным благодаря применению селена в качестве основного красителя. Селен в сочетании с кадмием и серой окрашивает стекло в яркие, «полыхающие» тона от лимонно-желтого до темно-рубинового. Особенную популярность получили оранжево-красные оттенки, использование которых ранее было невозможно.

Еще одно изобретение Луиса Тиффани – «складчатое стекло» или «драпировки». Такое стекло получают, деформируя его в разогретом, мягком состоянии в процессе производства.

Кроме того, он использовал многослойное стекло и соединял отдельные фрагменты с помощью медной фольги и свинцовых протяжек. Медная фольга приклеивалась к стеклу пчелиным воском и спаивалась между собой при помощи олова. Таким образом стало возможно соединять мельчайшие кусочки стекла и создавать сложные объемные формы. Именно так появились изогнутые абажуры Тиффани.

Намеренно менялась и толщина швов, что позволяло усилить впечатление естественности, случайности возникшего объемного или пространственного эффекта.

Тиффани работал и в других техниках, например он использовал стекло, имитирующее камни.

Настольная лампа Тиффани «Глициния».  1902 г.

Настольная лампа Тиффани «Глициния».
1902 г.

Настольная лампа Тиффани «Нарциссы».  1905 г.

Настольная лампа Тиффани «Нарциссы».
1905 г.

Основные сюжеты абажуров «Тиффани» — цветы и растения, пейзаж, геометрический рисунок, «павлиний узор». Эти яркие, переливающиеся разными цветами абажуры с абстрактными рисунками, напоминающими то песчаные дюны, то фантастические цветы или узор павлиньих перьев, как бы «вырастающими» из основания необычных по форме светильников, сразу принесли Тиффани широкую популярность и коммерческий успех.

В 1879 году Луис Тиффани при участии Самуэля Колемана и Канданса Уиллера основал компанию «Луи К. Тиффани и Ассошиэйтед Артистс», которая предлагала широкий выбор дорогих высокохудожественных изделий для интерьеров домов, в том числе ламп и абажуров.

В 1882 году эта компания получила заказ на оформление интерьера белого Дома от Президента США Честера Алана Артура. Тиффани полностью изменил дизайн в нескольких комнатах резиденции, установив абажуры из «стекла Тиффани» на все газовые светильники. Впрочем, через двадцать лет интерьеры Тиффани были уничтожены при воссоздании неоклассического стиля Белого Дома.

С 1880 по 1890 год Тиффани обставлял дома Вандербильтов, Осборнов, Тейлоров, Карнеги, Марка Твена и других известных и не бедных людей.

В 1883 году компания разделилась, и Луис Тиффани основал «Мастерскую Тиффани» в которой работали более трехсот человек: дизайнеры, художники, стеклодувы.

Изготовление абажуров в мастерской Тиффани. 1911 г.

Изготовление абажуров в мастерской Тиффани. 1911 г.

В 1885 году он был приглашен, чтобы украсить театр «Лицеум» в Нью-Йорке. Этот театр стал первым в мире театром с электрическим освещением.

В 1890 году Тиффани завоевал Гран-при Парижской выставки.

И, наконец, в 1895 году он наладил массовое производство ламп и абажуров из витражного стекла.

В 1900 году на выставке в Париже Луис Тиффани показал свою первую настольную электролампу. Мозаичные абажуры «Тиффани» мягко приглушали резкий свет лампочки, и этот ореол таинственности очень хорошо соответствовал эстетическим вкусам «модерна».

В США имя «Тиффани» стало синоним всего направления «модерн». Однако, в 2007 году исследователями был обнаружен весьма любопытный факт: основной вклад в дизайн его уникальных абажуров внес вовсе не Луис Тиффани, а некая никому не известная Клара Дрисколл, возглавлявшая женское подразделение компании (неофициально оно называлось «Девушки Тиффани»). До ее прихода в компанию, для светильников использовались в основном геометрические узоры. Клара Дрисколл смогла создать абсолютно новый стиль – в лучших традициях искусства «модерна». Это был растительный орнамент (знаменитые лампы «Глициния», «Пион», «Нарцисс»). Именно она отвечала за подбор стекла и обработку его фрагментов. Первой ее лампой для компании стала лампа «Нарциссы». Всего Клара Дрисколл создала дизайн тридцати светильников. Лампа «Стрекоза» была даже удостоена бронзовой медали на Парижской выставке 1900 года. По сути, именно Клара Дрисколл разработала все основные элементы дизайна абажуров «Тиффани». Но ее имя оставалось забытым долгие годы. И лишь несколько лет назад, стараниями профессора Мартина Эйдельберга и независимого ученого Нины Грей, были найдены документы, подтверждающие роль Клары Дрисколл в создании шедевров Тиффани.

«Девушки Тиффани»

«Девушки Тиффани»

В Музее искусств в нью-йоркском Квинсе работает постоянная выставка, посвященная продукции «Студии Тиффани». Она включает не только экспонаты из почти всех модельных рядов ламп, но и двести семьдесят пять тысяч образцов стекла, использовавшегося студией.

Коллекция ламп Тиффани из Музея изобразительных искусств Вирджинии.

Коллекция ламп Тиффани из Музея изобразительных искусств Вирджинии.

Абажур Тиффани «Ракитник».

Абажур Тиффани «Ракитник».

Настольная лампа Тиффани «Лилии в пруду». 1900 - 1905 гг.

Настольная лампа Тиффани «Лилии в пруду». 1900 — 1905 гг.

Настольная лампа Тиффани «Фрукты».  1900 - 1915 гг.

Настольная лампа Тиффани «Фрукты».
1900 — 1915 гг.

Тиффани имел множество подражателей, причем не только в Америке, но и в Европе — особенно в Германии.

В 1840 году Йоханом Лётцем в местечке Клаштерскнй Млин, близ Рейштейна была основана компания по производству стекла. После его смерти компания перешла к его вдове и на протяжении всего дальнейшего существования была известна как «Вдова Йохана Лётца» («Johan Lotz Witwe»). В период своего наивысшего успеха, совпавший с расцветом стиля «модерн», она принадлежала их внуку — Максу Лётцу. «Оттолкнувшись» от творчества Луиса Тиффани, «Вдова Йохана Лётца» уже к концу XIX века вступила на самостоятельный путь развития. Было создано несколько оригинальных, способов декорирования изделий в стиле «модерн», специфических форм и цветовых сочетаний. Но главное отличие «Вдовы Йохана Лётца» от «Тиффани» состояло в том, что она производила продукцию доступную для каждого покупателя. И хотя компания, по существу, выпускала серийную массовую продукцию, ручной способ производства позволял ей комбинировать формы и варианты декора абажуров, а также расцветки стекла и радужных структур.

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

В 1899 году компания «Вдова Иоханна Лётца» впервые выставила в Париже стекольные изделия «папильон» (бабочка) со сверкающими ирризированными каплями и «феномен» со впаянными внутрь и напаянными сверху стеклянными нитями, частично окрашенными металлическими красками и образующими «прочесанный» узор.

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

Компания выпускала бесчисленные вариации абажуров из художественного стекла: многоцветное люстрированное стекло «павония» и «персик», «каллиопа», «кинтий», «формоза», «орфей». В ее лучших произведениях достигались изысканные цветовые сочетания насыщенных глубоких голубых и зеленых тонов, усиленных «серебряной» и «золотой» иризацией.

Абажур компании «Johann Lötz Witwe».

Абажур компании «Johann Lötz Witwe».

Многие абажуры «Вдовы Иоханна Лётца» изготовлялись в металлическом обрамлении. При этом в большинстве случаев оправа придавала им совершенно иной силуэт.

Очень быстро произведения этой компании завоевали широкую популярность и были отмечены на ряде международных выставок, в частности, Чикагской — в 1893 году и Парижской — в 1900 году.

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

Лампа компании «Johann Lötz Witwe».

Но наибольшее распространение искусство художественного абажура получило во Франции.

Здесь основные производители группировались преимущественно вокруг двух центров: Парижа и Нанси.

Поль Элюар.

Страстно.

(Фрагмент).

 

…Слово креол упругая пробка на фоне атласном


Слово ванна его волокут

Распрекрасные кони безобразные как костыли


Вечером под абажуром слово аллея как женское имя

Укрощает оно зеркала и недвижная комната в них

Замирает


Прядильщица слово в котором гамак и беседка…

Яркий представитель стиля «модерн» художник  Эмиль Галле создавал абажуры в технике заимствованной им у китайских мастеров — из многослойного стекла обработанного красителями, кислотой и резьбой. Развивая и совершенствуя этот способ, художник использовал не только два, как это было принято в Китае, а три, пять и более слоев, что позволило ему добиваться выразительных декоративных эффектов — глубины перспективы, сочетания и игры тонов и полутонов. При этом он дополнял технику резьбы (механического удаления резцом ненужного слоя или его части) химическим травлением плавиковой кислотой, в значительной степени ускорив процесс изготовления изделий. Он также использовал технику «Лунного света» («Clair-de-lune»), заключавшуюся в подкраске оксидами кобальта (придававшими стеклу сапфировый оттенок).

Наряду с этим Эмиль Галле широко использовал технологию, получившую название «Стеклянной пасты» («Pate-de-verre»). Эта техника была известна еще в Древнем Египте и была возрождена художниками «модерна». Первыми в ней начали работать Анри Кро и Жорж Депре. Варьируя методы работы с горячей массой, вводя в фактуру фольгу серебряного и золотого цвета, пузырьки воздуха и нарочитые трещинки, обжиг в пламени с медью и кракелаж, применяя металлизацию и используя резьбу по стеклу Галле получал, если воспользоваться его собственным термином, «Стеклянные маркетри» («Marquetrie de verre»). Другим вариантом этой сложной техники было «наложение» рельефных деталей из полурасплавленного стекла на горячую поверхность изделия с последующим их сплавлением. В этом случае возникало впечатление, что декоративные налепы выполнены из кусочков тающего воска. А, кроме того Галле первым в Европе освоил изготовление японского многослойного стекла и применил к нему травление кислотой.

На эстетику его изделий оказали влияние искусство Японии (ботаническая тематика, свободная компоновка растительного орнамента, внимание к фактуре поверхности), поэзия символизма (Бодлер, Метерлинк, де Монтескью), а также искусство импрессионистов (Галле много экспериментировал, пытаясь добиться в стекле живописных импрессионистских эффектов). В орнаментах Галле доминировали мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых. Причем «ассортимент» растительных изображений весьма разнообразен: от садовых, лесных и луговых цветов, ягод и трав до различных морских и речных водорослей.

Абажуры и светильники Галле подразделялась на массовые («индустриальные»), более дорогие («полуроскошные») и, наконец, уникальные. Последнии мастер изготовлял собственноручно.

Эмиль Галле. Настольная лампа с двумя абажурами.

Эмиль Галле. Настольная лампа с двумя абажурами.

Свой творческий путь Эмиль Галле начинал в Нанси на фабрике по изготовлению фаянса и стекла принадлежавшей его отцу Шарлю Галле. Позже получил художественное образование в Нанси и в Веймаре. И в 1883 году открыл в Нанси собственную мастерскую.

Эмиль Галле за работой.

Эмиль Галле за работой.

С 1884 года он выпускал так называемые «говорящие» стеклянные изделия (Verreries parlantes) с цитатами из Франсуа Вийона, Шарля Бодлера, Стефана Малларме, Поля Верлена и других поэтов.

Десять лет спустя в 1894 году Эмиль Галле открыл собственную стекольную фабрику в Нанси. К началу XX века она превратилась в одно из крупнейших предприятий по производству художественного стекла во Франции: здесь работало около трех тысяч высококвалифицированных рабочих.

В 1901 году по инициативе Галле был организован «Провинциальный альянс художественной промышленности» (позднее более известный как «Школа Нанси»).

Эмиль Галле открыл также несколько магазинов для продажи изделий своей компании, в том числе в Париже (l’Escalier cristal) в 1880 году и в Лондоне в 1904 году.

На Всемирной парижской выставке в 1889 году художник получил Гран-при и золотую медаль. Но подлинную славу ему принесла Всемирная выставка в Париже 1900 года.

Художник умер в 1904 году, но созданная им компания продолжала работать вплоть до 1933 года, когда производство было прекращено из-за начавшегося экономического кризиса.

Эмиль Галле. Люстра с абажуром.

Эмиль Галле. Люстра с абажуром.

Лампа Эмиля Галле. 1925 г.

Лампа Эмиля Галле. 1925 г.

Лампа «Ombelles» Эмиля Галле. 1935 г.

Лампа «Ombelles» Эмиля Галле. 1935 г.

Абажур работы Эмиля Галле.

Абажур работы Эмиля Галле.

Лампа Эмиля Галле.

Лампа Эмиля Галле.

Эмиль Галле был самым ярким, но не единственным представителем художественной школы Нанси, просуществовавшей с восьмидесятых годов XIX века вплоть до смерти художника. Его яркий самобытный талант оказал сильное влияние на творчество других участников этой школы.

Гийом Аполлинер.

 Мой говорящий алмаз не покидай мой дом

Спокойно усни здесь все принадлежит тебе

Пробитая каска постель и абажур над столом.

Среди них одно из первых мест занимают братья Огюстен и Антонен Даум (Дом). Компания «Daum» была основана в 1875 году (по другим данным в 1870 году) их отцом Жаком Даумом, под названием «Verrierie Sainte-Catherine» («Стекольное производство Святой Катерины»). В 1878 году она была переименована в «Verrierie de Nancy» («Стекольное производство Нанси») и существует до сих пор под названием «Cristallerie Daum». После смерти отца в 1885 году двое из его шести детей, Огюстен и Антонен, возглавили производство.

Антонен Даум.

Антонен Даум.

Ранние произведения братьев Даум (из них только Антонен был художником) выполнены в традиционных утилитарных формах и имеют главным образом геральдический декор: короны, эмблемы, стоящие на задних лапах львы. Роспись выполнялась эмалевыми красками и золотом в технике высокого рельефа. Свои первые значимые работы братья создали под влиянием Парижской выставки 1889 года, на которой экспонировались, в частности, работы Галле.

Антонен Даум. Лампа «Август».

Антонен Даум. Лампа «Август».

Около 1900 года братья Даум изобретают новую технологию обработки стекла, получившую название «Витрификация» («Vitrification»), заключавшуюся в накатывание стеклянной крошки на горячую поверхность заготовки, ее последующий разогрев в печи и сплавление с основным слоем или включении ее в массу стекла в результате чего образовывался новый «пятнистый» или «крапчатый» слой. Эта техника использовалась как для декоративного оформления всей поверхности произведения, образуя живописный фон как для последующей обработки (резьбы, травления, гравировки), так и для изготовления накладных рельефных деталей в виде насекомых, моллюсков или гроздей фруктов. Еще один прием, разработанный в компании и получивший название «Inter-calaire», заключался в том, что изображение воспроизводилось на одном или более промежуточных слоях. Подобная техника позволяла достигать эффекта глубины перспективы. Использовался и прием «Pate-de-verre» — формование изделий и создания рельефов из стеклянной пасты.

Для достижения различных художественных эффектов братья Даум также применяли травление стекла плавиковой кислотой (например, для обработки фона — создания поверхности с «морозным узором»), гравировку (в основном, для проработки деталей), роспись полихромными эмалями, наложение нескольких слоев контрастно-окрашенного стекла.

Настольная лампа компании «Daum». Около 1900 г.

Настольная лампа компании «Daum». Около 1900 г.

Настольная лампа компании «Daum».  1902 г.

Настольная лампа компании «Daum». 1902 г.

Настольная лампа компании «Daum». 1905 г.

Настольная лампа компании «Daum». 1905 г.

Кроме того, компания «Daum» стала первой делать абажуры из хрусталя, до этого использовавшегося лишь при производстве люстр.

К многим  изделиям компании «Daum»  делалась бронзовая монтировка или серебряные оправы.

«Дождливый ландшафт». Настольная лампа компании «Daum».  Около 1910 г.

«Дождливый ландшафт». Настольная лампа компании «Daum». Около 1910 г.

«Зимний пейзаж». Настольная лампа компании «Daum».  Около 1910 г.

«Зимний пейзаж». Настольная лампа компании «Daum». Около 1910 г.

В 1897 году изделия компании «Daum» выиграли золотую медаль на выставке в Брюсселе. А на Всемирной выставке в 1900 году продукция компании завоевала Гран-при.

В разное время в ней работали такие известные мастера как Жак Грюбер, Альмарик Вальтер, Анри Берже, Шарль Шнайдер, Сальвадор Дали, Ришар Тексье, Арман, Сезар Бальдаччини.

Сальвадор Дали. Хрустальный абажур. Лампа компании «Daum».

Сальвадор Дали. Хрустальный абажур. Лампа компании «Daum».

Помимо компаний Эмиля Галле и «Daum» к школе Нанси относятся еще несколько более мелких компаний, работавших в конце XIX — начале XX века. Их продукция носила в основном подражательный характер, хотя технически многие произведения были выполнены безупречно и отличались высоким художественным уровнем. Например, достаточно широко известны такие компании, как «D’Argental», «Debatte» и «Legras».

Настольная лампа с абажуром компании «D’Argental».

Настольная лампа с абажуром компании «D’Argental».

Настольная лампа с абажуром компании «D’Argental».

Настольная лампа с абажуром компании «D’Argental».

Настольная лампа с абажуром компании «Legras».

Настольная лампа с абажуром компании «Legras».

В 1895 году работавшие ранее у Эмиля Галле братья Мюллер, основывали в городе Люневиле собственное производство – компанию «Müller Freres».

Мюллеры постоянно экспериментировали с формами изделий и различными техниками декорирования.

 Одна из техник, разработанная на производстве Братьев Мюллер, носила название «Флюорогравировка» («Fluorogravure») — изделие, как правило, однослойное (в отдельных случаях – двухслойное), покрывалось эмалевым рисунком насыщенных цветов. А после остекловывания эмали в печи, оно подвергалось травлению кислотой. В результате на поверхности получался резко очерченный рисунок. В эмаль нередко добавлялись окислы металлов для придания рисунку переливающегося блеска. Кроме того, для декорирования изделий часто использовались налепы и кабошоны (часто позолоченные) в форме жуков, цветов.

Лампа компании «Muller Freres». 1900-1905 гг.

Лампа компании «Muller Freres». 1900-1905 гг.

Настольная лампа компании «Müller Freres».1905 г.

Настольная лампа компании «Müller Freres».1905 г.

Настольная лампа компании «Müller Freres». 1910 г.

Настольная лампа компании «Müller Freres». 1910 г.

Лампа компании «Muller Freres». 1930 г.

Лампа компании «Muller Freres». 1930 г.

Абажур компании «Müller Freres».1930 г.

Абажур компании «Müller Freres».1930 г.

 Абажур компании «Müller Freres».1930 г.

Абажур компании «Müller Freres».1930 г.

Художественная школа Нанси оказала большое влияние и на ряд европейских компаний. В частности, на бельгийскую компанию «Валь Сен Ламбер» («Val-St-Lambert»), основанную в 1826 году (с ней сотрудничал известный бельгийский дизайнер Анри Ван де Вельде).

Настольная лампа компании «Val-St-Lambert».

Настольная лампа компании «Val-St-Lambert».

Одним из выдающихся представителей «модерна» был французский ювелир и стеклянных дел мастер Рене Лалик. После Первой мировой войны он на двух фабриках (в Комб-ла-Виль с 1910 г., а затем, после приобретения в 1918 г. другого более крупного завода - в Винжен-сюр-Модере в Эльзасе) занимался производством разнообразных стеклянных изделий, в том числе осветительных приборов и абажуров.

Рене Лалик создавал динамичные, необычных форм произведения и много экспериментировал со стеклом. Отличительной чертой его изделий было соединение в одном произведении драгоценных и недрагоценных материалов, и их сопоставление, построенное на контрасте.

Первые его работы были выполнены методом «Исчезающего воска» («Cire-perdue»), близким к моллированию. Моллирование это способ изготовления художественных изделий из стекла, заключающийся в их отливке из расплавленного стекла в специальных керамических формах, сделанных по восковым моделям. Затем он разработал и внедрил на заводе в Винжен-сюр-Модере метод литья под давлением.

Распространенным видом продукции компании «Рене Лалик» были абажуры из стекла различных ярких интенсивных окрасок — голубой, янтарной, красной, изумрудно-зеленой, реже черной. Использовалось и стекло с нанесённой на него патиной. А рецепт знаменитого опалесцентного стекла Лалика до сих пор является «секретом фирмы».

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром. 1910 г.

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром. 1910 г.

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром.

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром.

Среди сюжетов, используемых при изготовлении абажуров наряду с цветочно-растительным орнаментом и изображениями насекомых, одно из главных мест занимает мотив женской фигуры. Лалик постоянно возвращается к этой теме, создавая мифологические и сказочные существа — обобщенные образы женской красоты в духе «модерна».

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром.

Рене Лалик. Настольная лампа с абажуром.

Рене Лалик. Абажур «Цветы». 1913 г.

Рене Лалик. Абажур «Цветы». 1913 г.

В России стиль «модерн» получил распространение с некоторым опозданием по сравнению с Западной Европой — в девяностых годах девятнадцатого века. Причем он благополучно сосуществовал с другими художественными направлениями («неорусский стиль», «неоклассицизм», отчасти «необарокко» и «бидермейер»). Это связано с тем, что для России «модерн» был стилем привнесенным извне. А потому русские абажуры в стиле «модерн» имели оригинальный характер, и развивалось в нескольких направлениях.

А их разработкой занимались видные художники и архитекторы, такие как Ф. Шехтель, И. Иванов-Шиц, Л. Кекушев, М. Врубель.

Классическим образцом русского «модерна» считается особняк предпринимателя и коллекционера С. П. Рябушинского, построенный архитектором Фёдором Осиповичем Шехтелем в 1900-1902 годах на Малой Никитской улице. Специально для особняка Рябушинского им была создана лампа с абажуром-медузой, который при взгляде на него сверху превращающаяся в черепаху.

Эскиз Ф. О. Шехтеля. Лестница особняка в виде волны с медузой, которая при взгляде на нее сверху превращается в черепаху.

Эскиз Ф. О. Шехтеля. Лестница особняка в виде волны с медузой, которая при взгляде на нее сверху превращается в черепаху.

Ф. О. Шехтель. Абажур «Медуза».

Ф. О. Шехтель. Абажур «Медуза».

Абажуры в России производили и такие крупные компании как «Дом Фаберже». Эта компания вообще отличалась большим разнообразием ассортимента, поскольку многие изделия исполняла в единственном экземпляре. Ее высокопоставленный клиент английский король Эдуард VII так и декларировал: «Король не должен иметь копий».  Другой высокопоставленный заказчик Эммануил Нобель  предпочитал платить вдвое,  чтобы иметь единственный экземпляр. Для каждого клиента «Дом Фаберже» разрабатывал свой индивидуальный стиль. Так, например изделия сделанные по заказу Ротшильда имели расцветку полосатую — «золотой и синий». Вообще же «список клиентов Лондонского магазина фирмы «Дом Фаберже» напоминал «Готский альманах», в нем присутствовали все аристократические дома Европы и мира» (Г.Ч. Бэйнбридж).

Следует отметить, что в изделиях «Дома Фаберже» также сочетались мотивы самых разнообразных художественных направлений: «ампир» и «готика», «модерн» и русские национальные стили.

Дом Фаберже. Мастерская Карла Густава Ялмара Армфельда Настольная лампа. 1898–1903 г.

Дом Фаберже. Мастерская Карла Густава Ялмара Армфельда Настольная лампа. 1898–1903 г.

Витрина с настольными украшениями и предметами, вырезанными из камня мастерами компании «Дом Фаберже» в музее Фаберже в Петербурге.

Витрина с настольными украшениями и предметами, вырезанными из камня мастерами компании «Дом Фаберже» в музее Фаберже в Петербурге.

В серийном производстве, рассчитанном на массового потребителя, в России наибольшей популярностью пользовались абажуры из ткани и стекла. Появилась мода на абажуры из цветного шелка — зеленые, синие и оранжевые.

К двадцатым годам XX века в Европе под воздействием нового художественного течения «Баухауз» распространяются тенденции к упрощению форм абажуров. «Баухауз» возник в 1919 году в Германии в «Высшей школе строительства и художественного конструирования Баухауз» (Bauhaus, Hochschule für Bau und Gestaltung). Его представителям удалось найти компромисс между функциональностью и красотой. Украшением абажуров, выполненных в стиле «минимализм», стали фактуры самих разных материалов - железа, никеля, хрома, стекла, кожи, дерева. Формы подчеркнуто лаконичны - прямоугольник, призма, цилиндр, шар. Главное внимание уделялось функциональности и удобству использования, а потому декоративность отходила на второй план.

Марианн Брандт, Ганс Прцирембель. Абажур.

Марианн Брандт, Ганс Прцирембель. Абажур.

Настольная лампа с абажуром в стиле «Баухауз».

Настольная лампа с абажуром в стиле «Баухауз».

Карл Траберт. Настольная лампа с абажуром. Около 1935 г.

Карл Траберт. Настольная лампа с абажуром. Около 1935 г.

Одной из самых известных работ выполненных в этом стиле стала настольная лампа со стеклянным полусферическим абажуром и металлической ножкой «Bauhaus lamp» Карла Юккера и Вильгельма Вагенфельда.

Карл Джейкоб Юккер и Вильгельм Вагенфельд. «Bauhaus lamp».

Карл Джейкоб Юккер и Вильгельм Вагенфельд. «Bauhaus lamp».

Британский инженер Джордж Карвардин запатентовал в октябре 1933 года лампу направленного света, получившую название «Лампа Карвардина». Она имела вид конического абажура на длинном гибком стержне на шарнирах. Новшество запатентованной конструкции, как отмечал Карвардин, в том, что «лампа устанавливается так, что ось проходит через центр тяжести светильника и баланс сохраняется, в то время как она поворачивается». Право на ее производство было передано компании «Herbert Terry Ltd», которая в 1934 году начала выпуск модели «Anglepoise 1209», первоначально предназначенной для использования на промышленных предприятиях. Но уже в 1935 году была представлена более элегантная версия «Anglepoise 1227» предназначенная для домашнего использования. Эта лампа оказалась настолько удобной и эффективной, что массово выпускается по сей день.

аж3166

Лампа Карвардина установленная на автомобиле.

Лампа Карвардина установленная на автомобиле.

Лампа «Anglepoise» Джорджа Карвардина.

Лампа «Anglepoise» Джорджа Карвардина.

Лампа–гигант «Anglepoise Giant» Джорджа Карвардина.

Лампа–гигант «Anglepoise Giant» Джорджа Карвардина.

Лампа «Anglepoise» Джорджа Карвардина.

Лампа «Anglepoise» Джорджа Карвардина.

А австрийский дизайнер Юлиус Теодор Кальмар (ученик одного из основателей «Венского сецессиона» Йозефа Хоффмана) разработал светильник, в котором шелковый абажур фиксируется в трех разных положениях.

Юлиус Теодор Кальмар. Торшер с абажуром.

Юлиус Теодор Кальмар. Торшер с абажуром.

Ответом на весь этот аскетизм стала мода на абажуры с развитой декоративной составляющей. Настоящей иконой такого «роскошного» стиля стал французский архитектор и дизайнер интерьеров Жак Аднет.

Жак Аднет Настольная лампа. 1930-е годы..

Жак Аднет Настольная лампа. 1930-е годы..

Жак Аднет. Настольная лампа. 1930 г.

Жак Аднет. Настольная лампа. 1930 г.

Жак Аднет. Торшер.

Жак Аднет. Торшер.

Жак Аднет Настольная лампа. 1930-е годы..

Жак Аднет Настольная лампа. 1930-е годы..

Жак Аднет. Настольная лампа.

Жак Аднет. Настольная лампа.

Хотя после революции и в годы гражданской войны в СССР по экономическим причинам производство абажуров было фактически свернуто, уже к середине двадцатых годов их массовое производство возобновилось. Правда не без курьезов – так одно время их едва ли не официально объявляли «символом мещанства». А представители нового искусства — конструктивисты и супрематисты на полном серьезе критиковали шелковый абажур за непрактичность.  Впрочем, это были, как тогда говорили «перегибы на местах». Уже к началу тридцатых годов абажур прочно утвердился в квартирах советских граждан. А настольная лампа с абажуром стала обязательным атрибутом письменных столов чиновников, писателей, ученых и даже своего рода символом этой эпохи. Ее можно было увидеть в читальных залах публичных библиотек и конструкторских бюро, больницах и кабинетах, на столах во время торжественных заседаний наркоматов. Такие лампы например выпускались примерно с середины двадцатых годов московским заводом «Электросвет».

Кабинет В. И. Ленина. На столе настольная лампа с абажуром.

Кабинет В. И. Ленина. На столе настольная лампа с абажуром.

Сталин за работой. На столе настольная лампа с абажуром.  1935 г.

Сталин за работой. На столе настольная лампа с абажуром.
1935 г.

Настольная лампа с абажуром «Грибок» из двухслойного зеленого стекла.

Настольная лампа с абажуром «Грибок» из двухслойного зеленого стекла.

Настольная лампа с абажуром.

Настольная лампа с абажуром.

Абажур с перелиной.

Абажур с перелиной.

После второй мировой войны в западном искусстве получает распространение стиль «поп-арт» («pop art», сокращение от popular art - популярное, общедоступное искусство). «Поп-арт» делал акцент на провокацию, эпатаж и максимальную дешевизну вещей. Это было торжество кича. В абажурах стиля «поп-арт» прослеживаются характерные черты стиля. А пластики и полимеры становятся едва ли не основным материалом для их производства.

Абажур в стиле поп – арт.

Абажур в стиле поп – арт.

Абажур в стиле поп – арт.

Абажур в стиле поп – арт.

Абажур в стиле поп – арт.

Абажур в стиле поп – арт.

Настольная лампа с абажуром в стиле поп – арт.

Настольная лампа с абажуром в стиле поп – арт.

Торшер в стиле поп – арт.

Торшер в стиле поп – арт.

В СССР абажуры обретают особую популярность в послевоенный период. В пятидесятых-шестидесятых годах производятся как подлинные образцы искусства, так и откровенный кич, не уступающий в этом отношении западным образцам.

Абажур. Фотография 1954 г.

Абажур. Фотография 1954 г.

В новой квартире. Фотография пятидесятых годов.

В новой квартире. Фотография пятидесятых годов.

Настольная лампа. Выполнена по рисунку А. Я. Якобсон. 1950-е гг.

Настольная лампа. Выполнена по рисунку А. Я. Якобсон. 1950-е гг.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Настольные лампы пятидесятых-шестидесятых годов.

Ко второй половине ХХ века едва ли не каждое направление изобразительного искусства запечатлело себя в абажуре.

Так на Западе получили распространение абажуры в стиле «абстрактного искусства». «Абстракционизм» (от латинского abstraction - удаление, отвлечение) отказался от приближённого к действительности изображения форм. Абстрактное искусство использует визуальный язык формы, цвета и линии, чтобы создать композицию, которая может существовать с определенной степенью независимости от визуальных ориентиров в мире. «Абстрактные» абажуры отличает их полнейшая нефункциональность.

Абстрактный абажур.

Абстрактный абажур.

Абстрактный абажур.

Абстрактный абажур.

Абстрактный торшер.

Абстрактный торшер.

А в шестидесятые годы было невероятно популярно течение «оп-арт» (оптическое искусство — от английского optical art), использововшее различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.  Дизайнер Филипп Нигро создал абажур, ставший своего рода образцом для почитателей этого стиля. Он состоит он из главного центрального рассеивателя и модульных элементов, по своему очертанию напоминающие цветочные лепестки. Модули выполнены в форме неправильного круга и неправильного овала, они наложены друг на друга на небольшом расстоянии. Конструкция таким образом получается объемной и как бы парит. Необычные визуальные эффекты достигаются и благодаря решетчатым лепесткам с трехмерным сечением ребер.

Филипп Нигро. Абажур в стиле оп-арт.

Филипп Нигро. Абажур в стиле оп-арт.

Одним из самых известных светильников XX века стала лампа рассеянного света с абажуром из белого опалового метакрилата, созданная итальянским дизайнером Гае Ауленти. По характерной форме рассеивателя лампа получила название «Pipistrello» («Летучая мышь»). Для своего времени светильник был технологическим прорывом поскольку Гае Ауленти использовала в работе над ним совсем тогда новые технологии формовки стали и алюминия, и прессования пластика.

Гаэтана Ауленти. «Pipistrello» («Летучая мышь»).

Гаэтана Ауленти. «Pipistrello» («Летучая мышь»).

В семидесятых годах ХХ века в недрах «позднего модернизма» зародился стиль «хай-тек» (hi-tech, от high technology - высокие технологии) нашедший широкое применение в восьмидесятые годы. Для становления концепций стиля «хай-тек» была особо важна деятельность группы «Аркигрэм», совместившая идеи «поп-арта» и научной фантастики. Характерными чертами этого стиля являются лаконичная функциональность и удобство — легкость, прямые линии, четкие геометрические формы, простота и строгость конструкции, светлые и чистые цвета, использование стекла, пластика и метала.  Абажуры в стиле «хай-тек» полностью соответствуют этим характеристикам.

Абажур хай-тек фирмы «Eglo» (Австрия).

Абажур хай-тек фирмы «Eglo» (Австрия).

Абажур в стиле хай-тек.

Абажур в стиле хай-тек.

Абажур в стиле хай-тек.

Абажур в стиле хай-тек.

В ХХ веке над созданием абажуров работали известные художники, скульпторы, архитекторы и дизайнеры, в том числе, Сальвадор Дали, Морис Буваль, Эдвард Колонна, Фернан Гранж, Матье Матего, Йозеф Хофман и Рихард Римершмид.

Сальвадор Дали. Чтение. Семейная сценка при свете лампы.

Сальвадор Дали. Чтение. Семейная сценка при свете лампы.

Торшеры работы Сальвадора Дали.

Торшеры работы Сальвадора Дали.

Сальвадор Дали. Лампа «bracelli».

Сальвадор Дали. Лампа «bracelli».

Морис Буваль. Настольная лампа. 1903 г.

Морис Буваль. Настольная лампа. 1903 г.

Эдвард Колонна. Настольная лампа.  1903 г.

Эдвард Колонна. Настольная лампа. 1903 г.

Фернан Гранж. Настольная лампа.

Фернан Гранж. Настольная лампа.

Матье Матего. Абажур. 1953 г.

Матье Матего. Абажур. 1953 г.

Матье Матего. Абажур.

Матье Матего. Абажур.

Йозеф Хофман. Настольная лампа. 1904 г.

Йозеф Хофман. Настольная лампа. 1904 г.

Лампа работы Рихарда Римершмида.

Лампа работы Рихарда Римершмида.

Из современных художников разрабатывающих дизайн абажуров выделяется голландский дизайнер Торд Боонтье.

Торд Боонтье. Абажур из коллекции «Флора будущего».

Торд Боонтье. Абажур из коллекции «Флора будущего».

Торд Боонтье. Абажуры из коллекции «Флора будущего».

Торд Боонтье. Абажуры из коллекции «Флора будущего».

Торд Боонтье. Абажуры из коллекции «Кружевница».

Торд Боонтье. Абажуры из коллекции «Кружевница».

В работах известного немецкого дизайнера Маурера Инго специализируется на разработке светильников на первый план выходит необычность художественных решений и используемых материалов.

Маурер Инго. Абажур.

Маурер Инго. Абажур.

Маурер Инго. Абажур-галлюцинация.

Маурер Инго. Абажур-галлюцинация.

Художница из Дании Улла Дарни создает расписные абажуры.

Абажур работы Уллы Дарни.

Абажур работы Уллы Дарни.

Абажур работы Уллы Дарни.

Абажур работы Уллы Дарни.

Настольная лампа с абажуром работы Уллы Дарни.

Настольная лампа с абажуром работы Уллы Дарни.

Другой датский дизайнер — Йонас Эдвард Нильсен создал абажур из растительных волокон и грибницы вешенок. С помощью каркаса этим компонентам придается форма, затем лампа «выращивается» от двух до трех недель — грибница разрастается, скрепляя между собой растительные волокна. Со временем такой абажур принесет урожай в шестьсот грамм вешенок.

Абажур из грибов Йонаса Нильсена.

Абажур из грибов Йонаса Нильсена.

Одной из самых необычных моделей абажура можно назвать абажур в форме ядерного взрыва итальянского дизайнера Луки Венери. Для его разработки автор использовал трёхмерное изображение первых секунд ядерной реакции, возникающей при разрыве водородной бомбы.

Лука Венери. Настольная лампа с абажуром в форме ядерного взрыва.

Лука Венери. Настольная лампа с абажуром в форме ядерного взрыва.

Необычны и «жидкие» лампы, созданные японским дизайнером Куичи Окамото. На первый взгляд, кажется, будто абажур повис в воздухе. На самом деле, опорой для него является пластина, имитирующая пролитую краску.

«Жидкая» лампа. Куичи Окамото.

«Жидкая» лампа. Куичи Окамото.

Британский дизайнер Джейк Фиппс создал в честь своих любимых героев серию настольных и подвесных ламп «Дживс и Вустер» («Jeews & Wooster»). В этой серии абажуры выполнены в виде классических шляп-котелков. Абажуры изготовлены из мягкого фетра и являются настоящим шляпами, которые при желании можно надеть на голову (если придумать, как извлечь лампочку, не повредив ни ткань, ни шнур, ни стекло, а затем снова собрать светильник). Благодаря тому, что шляпа может легко двигаться на «голове», ее можно повернуть так, чтобы свет падал под нужным углом. А стильная подкладка из анодированного алюминия добавляет «головному убору» золотистый или серебристый блеск, и одновременно защищает материал, из которого он изготовлен, от длительного воздействия тепла.

Шляпы-абажуры Джейка Фиппса.

Шляпы-абажуры Джейка Фиппса.

 Владимир Высоцкий.

 Песня про Джеймса Бонда, агента 007.

(Фрагмент).

Себя от надоевшей славы спрятав,

В одном из их Соединенных Штатов,

В глуши и в дебрях чуждых нам систем

Жил-был известный больше чем Иуда,

Живое порожденье Голливуда –

Артист, Джеймс Бонд, шпион, агент 07…

 

Вот так и жил как в клетке,

Ну а в кино — потел:

Различные разведки

Дурачил как хотел.

То ходит в чьей-то шкуре,

То в пепельнице спит,

А то на абажуре

Ково-нибудь соблазнит…

Современные технологии позволяют создавать абажуры самых разных форм и размеров, из самых разных материалов — например, стекла, пластмассы, металла, ткани (шелка, льна, хлопка), картона, пергамента, натуральной или искусственной кожи и даже из бумаги. По форме он может представлять собой конус, шар, параболоид, параллелепипед, цилиндр или любую их комбинацию. Абажур также может быть украшен с помощью различных техник (бисероплетение, вишивки, макраме).

Кроме того, современные технологии и материалы позволяют изготавливать абажуры не только для помещений, но и для уличного использования.

Так в январе 2013 года в рамках фестиваля «Не темно» в Екатеринбурге художник Тимофей Радя установил в центре города напротив Оперного театра два желтых абажура на кованых фонарях.

Желтые уличные абажуры в центре Екатеринбурга.

Желтые уличные абажуры в центре Екатеринбурга.

В январе 2015 года на одном из центральных проспектов канадского города Квебек компания «Lightemotion» установленовила тридцать четыре гигантских абажура, в дизайне которых были использованы репродукции работ художников Альфреда Пеллана и Фернана Ледюка.

Уличные абажуры на проспекте Картье в Квебеке.

Уличные абажуры на проспекте Картье в Квебеке.

Абажуры производятся множеством компаний, среди которых пользуются известностью итальянские компании «Antonangeli», «La Murrina», «Italamp», «Sothis» и «Passeri International», французская — «Lucien Gau» и британская – «Vaughan».

Асимметричные абажуры  компании «Antonangeli».

Асимметричные абажуры компании «Antonangeli».

Настольный светильник с абажуром компании «La Murrina».

Настольный светильник с абажуром компании «La Murrina».

Настольный светильник с абажуром компании «Italamp».

Настольный светильник с абажуром компании «Italamp».

Настольные светильники с абажуром компании «Italamp».

Настольные светильники с абажуром компании «Italamp».

Абажур компании «Sothis».

Абажур компании «Sothis».

Люстра с абажурами компании «Passeri International».

Люстра с абажурами компании «Passeri International».

Настольные лампы компании «Passeri International».

Настольные лампы компании «Passeri International».

Настольная лампа с абажуром компании «Lucien Gau».

Настольная лампа с абажуром компании «Lucien Gau».

Абажур компании «Vaughan».

Абажур компании «Vaughan».

Австрийская компания «Swarovski» специализируется на производстве украшений из стекла и хрусталя, а также огранке синтетических и природных драгоценных камней. Она известна как производитель стразов под названием «Swarovski». Компания наносит на некоторые из своих кристаллов специальные покрытия, такие как «Северное сияние Авроры», или «AB» (обеспечивает появление на поверхности «кристалла» радужных отблесков), «Aurum», «Silver» (имитируют металлы). Всю эту продукцию компания использует при производстве абажуров собственной серии.

Абажуры компании «Swarovski». Серия «Sparkle Shady»

Абажуры компании «Swarovski». Серия «Sparkle Shady»

Юрий Левитанский.

Воспоминанье об оранжевых абажурах.

В этом городе шел снег,

и светились оранжевые абажуры,

в каждом окне

по оранжевому абажуру.

Я ходил по улицам

и заглядывал в окна.

В этот город я вернулся с войны,

у меня было все впереди,

не было лишь квартиры,

комнаты,

угла,

крова.
Снова и снова

ходил я по улицам

и заглядывал в окна.

Под оранжевыми абажурами

люди пили свой чай

с послевоенным пайковым хлебом.

Оранжевые абажуры были моей мечтой,

символом

всей несправедливости мира,

в котором,

как мне казалось,

лишь у меня одного

не было никакого пристанища,

комнаты,

угла,

крова.

У меня было все впереди,

все впереди настолько,

что я не мог оценить размеров

своего богатства.

- Скажите, пожалуйста, -

спрашивал я, -

здесь не сдается угол?

А в городе шел снег,

и светились оранжевые абажуры,

оранжевые тюльпаны

за тюлевой шторкой метели,

оранжевая кожура мандариновна новогоднем снегу.

В современной цивилизации абажур ассоциациируется с атмосферой семейного счастья и домашнего уюта.

Таковым он выступает и в многочисленных произведениях изобразительного искусства.

Пожалуй, одними из первых кто сделал абажур «героем» своих картин стали французские художники импрессионисты Мари Бракемон и Анри Лебаск.

Мари Бракемон. Под лампой. 1887 г.

Мари Бракемон. Под лампой. 1887 г.

Анри Лебаск. Под лампой. 1904 г.

Анри Лебаск. Под лампой. 1904 г.

Французский художник Дельфин Анжольра известный своими интимными портретами молодых женщин, выполняющих рутинные дела, такие как чтение или шитье, использовал смягченный абажуром свет как технический прием, подчеркивающий женскую грацию.

Дельфин Анжольра. Письмо.

Дельфин Анжольра. Письмо.

Дельфин Анжольра. За фортепиано.

Дельфин Анжольра. За фортепиано.

Дельфин Анжольра. В будуаре.

Дельфин Анжольра. В будуаре.

Близок к этой технике и Марсель Ридер.

Марсель Ридер. Выбор украшений.

Марсель Ридер. Выбор украшений.

В работах художников-неоимпрессионистов даже возникла разновидность жанровой живописи, получившая название «интимизм» (intime). «Интимистами» критики называли членов группы «Наби», в частности Пьера Боннара, Эдуарда Вюйара и Феликса Валлоттона, главной темой творчества которых было изображение частной жизни человека, ее неспешно текущих событий, радостей и удовольствий.

Пьер Боннар. Ужин у лампы.1898 г.

Пьер Боннар. Ужин у лампы.1898 г.

 Сцены семейных обедов, бесед на террасе и прогулок в вечерний час, веселых игр, полуденного отдыха, чтения книг и занятий рукоделием — типичные сюжеты их произведений.

Эдуар Вюйар. Две женщины под лампой..

Эдуар Вюйар. Две женщины под лампой.

Стремясь передать атмосферу домашнего уюта и тепла, интимисты использовали палитру сложных цветовых оттенков, в которых преобладали теплые хроматичные тона. Не последнюю роль в их картинах играл свет: мягкий, электрический, льющийся из-под абажура, являющийся частью создаваемого художником необходимого картине настроения.

Пьер Боннар. Лампа.

Пьер Боннар. Лампа.

Эдуар Вюйар. Читающая женщина. Вечер.

Эдуар Вюйар. Читающая женщина. Вечер.

Эдуар Вюйар. Друзья вокруг стола.

Эдуар Вюйар. Друзья вокруг стола.

Феликс Валлоттон. Обед при свете лампы.

Феликс Валлоттон. Обед при свете лампы.

Традицию продолжил представитель французской школы первой половины ХХ века испанский (каталонский) художник постимпрессионист Эмилио Грау Сала.

Эмилио Грау Сала. Читающая.

Эмилио Грау Сала. Читающая.

Эмилио Грау Сала. Женщина за столом.

Эмилио Грау Сала. Женщина за столом.

Эмилио Грау Сала. Под лампой.

Эмилио Грау Сала. Под лампой.

Голландско-бельгийский художник Петрус ван Шендель специализировался на ночных сценах, освещая их лампами или свечами и создавая таким образом весьма драматические световые эффекты.

Петрус ван Шендель. Летний вечер.

Петрус ван Шендель. Летний вечер.

Кисти представителя итальянского футуризма и новеченто Марио Сирони принадлежит картина «Лампа».

Марио Сирони. Лампа. 1919 г.

Марио Сирони. Лампа. 1919 г.

В Германии абажуры рисовали на своих полотнах художники Карл Мюллер, Пауль Бартел, Отто Эдуард Пиппель.

Карл Мюллер. Молодая женщина за столом при свете керосиновой лампы.

Карл Мюллер. Молодая женщина за столом при свете керосиновой лампы.

Пауль Бартел. Чтение под абажуром.

Пауль Бартел. Чтение под абажуром.

Отто Эдуард Пиппель. Поздно вечером.

Отто Эдуард Пиппель. Поздно вечером.

В скандинавских странах абажур также был весьма популярен. Его изображают датские художники Карл Кристиан Фредерик Якоб Томсен (специализировавшийся на жанровой живописи) и Питер Вильгельм Илстед (интерьерные картины которого вызывают чувство спокойствия и умиротворения).

Карл Томсен. Автопортрет в вечернем интерьере.

Карл Томсен. Автопортрет в вечернем интерьере.

Питер Вильгельм Илстед. В спальне.

Питер Вильгельм Илстед. В спальне.

А шведский художник Карл Олоф Ларсон рисует абажур на идиллических полотнах изображающих жизнь его семьи.

Карл Олоф Ларсон. Вечер.

Карл Олоф Ларсон. Вечер.

Карл Олоф Ларсон. Вокруг лампы.

Карл Олоф Ларсон. Вокруг лампы.

Английский художник Джордж Клаузен играет светом и тенью в картине «Сумерки», на которой изобразил свою гостиную в Сент-Джонс Вуд в Лондоне.

Джордж Клаузен. Сумерки. 1909 г.

Джордж Клаузен. Сумерки. 1909 г.

Другой английский художник — Виктор Пасмор изобразил абажур в картине «Искусственный свет».

Виктор Пасмор. Искусственный свет. 1941 г.

Виктор Пасмор. Искусственный свет. 1941 г.

В США абажур на своих картинах рисовали художники Фредерик Везин, Мина Охтман, Джозеф Клайч, Уильям Джеймс Глакенс и Элмер Бишофф.

Фредерик Везин. Вечер в гостинной.

Фредерик Везин. Вечер в гостинной.

Мина Охтман. Вечернее освещение.

Мина Охтман. Вечернее освещение.

Уильям Джеймс Глакенс. Жена художника.

Уильям Джеймс Глакенс. Жена художника.

Элмер Бишофф. Зеленый абажур. 1969 г.

Элмер Бишофф. Зеленый абажур. 1969 г.

Элмер Бишофф. Желтый абажур. 1969 г.

Элмер Бишофф. Желтый абажур. 1969 г.

Особое место занимает абажур в русском изобразительном искусстве.

Например, в творчестве живописца Лукиана Попова, который «в своих жанровых картинах, появлявшихся на выставках из-за цензурных соображений под нейтральными названиями, Попов стремился показать революционное движение в деревне» (Ф. Рогинская и Л. Попов).

Лукьян Попов. Под красным светом. 1910-11 гг.

Лукьян Попов. Под красным светом. 1910-11 гг.

У художника Василия Поленова в картине «Больная» («Элегия», 1886 г.) абажур выполняет особую функцию. «Трагическое приближение смерти ощущается в обволакивающей комнату сине-пепельной тьме, поглощающей фигуру девочки-подростка, в ее осунувшемся лице с большими, наполненными мукой глазами, в скорбном силуэте женщины с безнадежно склонившейся головой, в тревожных, едва проникающих из-под задернутой шторы проблесках синего рассвета, спорящих с теплым светом настольной лампы. Но постепенно внимание зрителя привлекает изумительный по красоте живописи натюрморт с лампой под зеленым абажуром. Лампа отбрасывает мягкий теплый свет, и его радужные розовато-золотистые отблески падают на край постели больной, играют желтовато-оливковыми бликами на стакане и графине с водой, насыщают цветом потрепанные и выгоревшие обложки книг и, наконец, соединяют все эти цвета в приглушенных тонах красно-коричневой скатерти. По своему богатству и изысканности красочных сочетаний это — один из самых красивых натюрмортов в русском искусстве второй половины XIX века. Благодаря своей цветовой разработке он становится своеобразным символом вечной красоты этого мира, ощущение которой не утрачивается художником даже перед лицом страдания и смерти».

Василий Дмитриевич Поленов. Больная. 1886 г.

Василий Дмитриевич Поленов. Больная. 1886 г.

Василий Дмитриевич Поленов. Больная. (Фрагмент). 1886 г.

Василий Дмитриевич Поленов. Больная. (Фрагмент). 1886 г.

Мы находим абажур и в картинах Константина Коровина, Леонида Пастернака,  Александра Средина.

Константин  Коровин. Женщина у лампы с красным абажуром.

Константин Коровин. Женщина у лампы с красным абажуром.

Леонид Осипович Пастернак. За книгой.

Леонид Осипович Пастернак. За книгой.

Леонид Осипович Пастернак. Л. Н. Толстой с семьей. 1902 г.

Леонид Осипович Пастернак. Л. Н. Толстой с семьей. 1902 г.

Александр Валентинович Средин. Интерьер.

Александр Валентинович Средин. Интерьер.

А также на картинах современных российских художников Вячеслава Солодкина, Галины Поповой, Игоря Колоскова, Александры Ласкаржевской.

Вячеслав Солодкин. Абажур. 1999 г.

Вячеслав Солодкин. Абажур. 1999 г.

 Галина Попова. Абажур.

Галина Попова. Абажур.

Игорь Колосков. Желтый абажур.

Игорь Колосков. Желтый абажур.

Александра Ласкаржевская. Натюрморт с лампой.

Александра Ласкаржевская. Натюрморт с лампой.

А. С. Кириллова. Дачный интерьер с абажуром. 2006 г.

А. С. Кириллова. Дачный интерьер с абажуром. 2006 г.

В литературе абажур также в первую очередь символ домашнего уюта. Например, у А. П. Чехов в рассказе «Дом с мезонином»: «В окнах мезонина … блеснул яркий свет, потом покойный зеленый свет — это лампу накрыли абажуром».

В романе «Белая гвардия» Михаила Булгакова дом Турбиных гостеприимный и уютный, в котором «мебель старого и красного бархата, и кровати с блестящими шишечками, потертые ковры … бронзовая лампа под абажуром». Когда Тальберг, уезжая, собирает вещи и снимает с электрической лампочки абажур, комната в доме Турбиных сразу и неузнаваемо преображается. И Булгаков констатирует: «Никогда не срывайте абажур с лампы! Абажур священен».

«Лампа под абажуром» в доме-музее Михаила Булгакова в Киеве.

«Лампа под абажуром» в доме-музее Михаила Булгакова в Киеве.

Этот поступок к слову весьма нелестно характеризует Тальберга — он прагматик, и для него абажур — всего лишь абажур, и ничего священного в нем нет. Единственная ценность, единственная любовь Тальберга это его собственная персона.

Марина Цветаева.

П. Э. (1914).

(Фрагмент).

 Пусть с юностью уносят годы

Все незабвенное с собой. -

Я буду помнить все разводы

Цветных обой.

 

И бисеринки абажура,

И шум каких-то голосов,

И эти виды Порт-Артура

И стук часов.

 Но у того же Булгакова в романе «Мастер и Маргарита» абажур неожиданно приобретает мистический характер — «в каждом из этих окон горел огонь под оранжевым абажуром, и из всех окон, из всех дверей, из всех подворотен, с крыш и чердаков, из подвалов и дворов вырывался хриплый рев полонеза из оперы «Евгений Онегин» (М. Булгаков).

Впрочем, он в этом не одинок. Нечто мистическое увидел в абажуре и Антон Павлович Чехов – «Сосредоточенные, неподвижные, с лицами, окрашенными в зеленый цвет от абажуров, они (игроки) напоминали сказочных гномов» (А. П. Чехов. Винт.).

Английский писатель Эдмунд Гилл Суэйн даже написал в стиле «история с привидениями» рассказ «Индийский абажур».

А Эдгар По и вовсе увидел в абажуре «изобретение дьявола».

Эдгар Алан По.

Философия обстановки.

(Фрагмент)

Абажур  граненого  стекла  -  это жалкое изобретение дьявола. Восторг, с каким мы его встретили, частью за его блеск, но больше всего за  высокую  стоимость,  лучше  всего  подтверждает положение,  с  которого  мы  начали  Свет,   испускаемый   этим   аляповатым чудовищем, неровен, изломан, неприятен Женская красота в особенности теряет больше половины своего очарования от этого дурного глаза.

 Впрочем, у Феликса Кривина абажур — герой басен.

Феликс Кривин.

 Абажур.

На проводе Абажур: — Нет, товарищи, свет — это все-таки здорово! Свет — это очень, товарищи, хорошо!.. Только ведь надо его подать, преподнести, так сказать, в выгодном свете…

И уж совсем разными зачастую противоречащими значениями наделен абажур в поэзии. Именно поэтому он фигурирует в стихах столь непохожих друг на друга поэтов как Иннокентий Анненский и Самуил Маршак, Юрий Левитанский и Поль Верлен, Евгений Рейн и Чарльз Буковски, Борис Пастернак и владимир Высоцкий, Иосиф Бродский и Игроь Северянин.

Игорь Северянин.

Под настроеньем чайной розы.

(Фрагмент).

От вздохов папирос вся комната вуалевая…

Свой абрис набросал на книге абажур.

В вазетке на столе тоскует роза палевая,

И ветерок ее колышет весь ажур.

        А Владимир Маяковский ввел в комедию «Клоп» персонажа обозначенного как «Разносчик абажуров».

Владимир Маяковский.

Клоп.

(Фрагмент).

Разносчик абажуров: Абажуры

любой

расцветки и масти.

Голубые для уюта,

красные для сладострастий.

Устраивайтесь, товарищи!

К слову абажур нередкий гость на сценических подмостках, причем не только в качестве предмета обстановки. Так В. Трофимова написала пьесу «Последний каприз Феи Абажуры. Сказка не для самых маленьких», а В. Арро пьесу «Круглый стол под абажуром».

Десять квадрокоптеров с абажурами на борту были задействованы в представлении  «Цирка дю Солей» «Танцы на лету». «Сначала нам показалась интересной идея снабдить квадрокоптеры источниками света. Затем, по чистой случайности, один из коллег в шутку сказал про абажуры. Это заставило меня задуматься: почему бы нам не пустить абажуры по воздуху? Так родилась идея представления с летающими абажурами» (креативный директор «Цирка дю Солей» Велби Алтидор).

Цирк дю Солей. Летающие абажуры в представлении «Танцы на лету».

Цирк дю Солей. Летающие абажуры в представлении «Танцы на лету».

Символ студии компьютерной анимации Pixar - настольная лампа с абажуром по имени «Люксо-младший» (Luxo Jr.). Дебютный фильм, созданный студией в 1986 году был построен на игре света двух настольных ламп и стал первым мульфильмом, номинированным на «Оскар». Впоследствии Люксо-младший стал символом компании, его можно увидеть на логотипах, а также во многих анимационных фильмах компании. В 2014 году мультфильм о том, как две настольные лампы играют в мяч, был внесен в Национальный реестр фильмов США, обладающих культурным, историческим или эстетическим значением.

аж4530Но самую нежную привязанность испытывает к абажурам массовая культура.

Игорь Северянин.

Граалю Арельскому.

(Фрагмент).

Я Вам скажу, как строгий ментор,

Снимая с лампы абажур:

Вы - идеальный квинт-эссентор,

И элегантен Ваш ажур…

Английский художник Ричард Гамильтон, чей коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» считается первой работой в стиле поп-арт содержит в себе все основные составляющие популярной массовой культуры: современные средства передачи изображений и звука, чистоту современного дома и средства для его уборки, безликая мебель, спортсмен на первом плане и конечно же обнаженная девушка в абажуре, вместо шляпы.

Ричард Гамильтон. Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?

Ричард Гамильтон. Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?

В масскульте абажур символ, используемый к месту и не к месту. Вот, например — журнал для всей семьи «Абажур».

аж4528В 1988 году в Италии вышел на экраны эротический (читай порнографический) фильм режиссера Лоренцо Онорати «Абажур» («Abat-jour», «La Dueña»).

kinopoisk.ruНе отстает в этом плане и поп-музыка. Например, абажур фигурирует в песнях российской группы «Сплин», сольном проекте Дарии Ставрович  «Нуки» и молдавской группы «Альтерносфера» («Alternosfera»),

Группа Сплин

Холодные зимы.

(Фрагмент)

Лампа сняла абажур и стеснялась нас голая,

Стыл по стаканам чефир, и звала сигарета,

Сердце расплавилось, вытекло теплое олово,

Это пятно до сих пор я скрываю от света

В целом благостный образ абажура сильно испортила дама известная под именем «фрау Абажур» — жена коменданта концлагерей Бухенвальд и Майданек Карла Коха Ильза Кох, обвинявшаяся в изготовлении сувениров из человеческой кожи. «Фрау Абажур» снимала с мёртвых тел кожу с участками татуировок, особым способом обрабатывала «материал» и шила из него сумочки, перчатки и даже абажуры. После освобождения Бухенвальда в 1945 году, американский режиссер Билли Уайлдер снял документальный фильм о лагере и творившихся в нем нацистских зверствах. В фильме наряду с другими предметами изготовленными из человеческой кожи найденными в «коллекции» Ильзы Кох, представлен и знаменитый абажур. После показа фильма пресса буквально сошла с ума, и вскоре абажур стал символом нацистского варварства.

Кадр из фильма Билли Уайлдера.

Кадр из фильма Билли Уайлдера.

Ильза Кох наряду с другими нацистскими преступниками из Бухенвальда была осуждена в 1947 году. Прокуратура представила в качестве доказательства обвинения высушенную человеческую голову и фрагменты татуированной человеческой кожи. По крайней мере, один бывший заключенный Бухенвальда показал, что видел абажур из татуированной человеческой кожи.

Ильза Кох перед военным трибуналом в Дахау.

Ильза Кох перед военным трибуналом в Дахау.

Однако вскоре началась холодная война. В рамках идеологической компании проводившейся в США по уравниванию нацизма и вновь изобретенного «сталинизма» американский суд пересмотрел дело Ильзы Кох и выпустил ее на свободу, поскольку ни один, даже самый оголтелый антисоветчик не рискнул обвинить в чем-то подобном СССР, а потому «неудобное» преступление следовало забыть. (Впрочем, она все-таки была осуждено немецким судом, вновь приговорена к пожизненному заключению, и покончила с собой в тюрьме в 1967 году).

А абажур из человеческой кожи куда-то затерялся (весьма интересное отношение американских правоохранительных органов и историков к такого рода уликам). И лишь недавно к этому вопросу вернулись вновь. В 2012 году журналист Марк Джейкобсон снял документальный фильм «Абажур из человеческой кожи – легенда Бухенвальда».

Профессор судебной антропологии Университета штата Мичиган Норм Сойер входивший в состав группы экспертов, которые несколько лет назад, наконец, изучили ряд предполагаемых изделий из человеческой кожи в Мемориальном центре Холокоста в Фармингтон Хиллс (штат Мичиган) утверждает, что видел там этот абажур (и это действительно был абажур, состоящий из панелей на проволочном каркасе).

Так абажур (казалось бы, самый что ни на есть бытовой предмет) стал своеобразным цивилизационным знаком, символизирующим широкий спектр человеческих чувств – от счастья и уюта, до ужаса и смерти.

 

При перепечатке данной статьи или ее цитировании ссылка на первоисточник обязательна: Копирайт © 2016 Вячеслав Карп — Зеркало сцены.

Print Friendly

Коментарии (0)

› Комментов пока нет.

Добавить комментарий

Pingbacks (0)

› No pingbacks yet.